Categoría: Aristas mexicanos contemporáneos
HUESOS EN VOZ ALTA
Obra Finalista del XXVII Premio Miguel Covarrubias INBA-UAM
Entramos en nuestra mente para desvestirla y en nuestro cuerpo para desollarlo. Dialogamos con las articulaciones, bisagras, palancas y soportes que nos permiten funcionar.
Dejamos que la luz penetre como rayos x y proyecte una radiografía móvil del estado de nuestros huesos, ideas y estructuras.
Cuerpos y mentes translúcidos; una danza a flor de huesos que compara el funcionamiento de nuestras estructuras corporales y mentales.
EMBALAJES
Estreno: Festival Danza Extrema, Xalapa 2007.
Un acto escénico que reflexiona sobre la dualidad entre apariencia y realidad.
Si los seres humanos somos como “paquetes de realidad”, ¿Existe una identidad desprovista de envolturas, máscaras y embalajes? ¿Nuestra identidad se encuentra debajo de esas capas o está escondida en medio de ellas?
Piel, papel, fibra, vidrio, metal, plástico… texturas e imágenes que funcionan como metáforas de los “empaques” que son para el ser humano el cuerpo, la moral, la vestimenta , las formas, los convencionalismos y estereotipos.
Pegar, anudar, envolver… son rituales que efectuamos comúnmente con un paquete. De la misma forma, persiste la necesidad humana de conservar, ocultar y proteger, clasificar y etiquetar, para transitar por la vida.
Embalajes que se confunden con su contenido. Empaques huecos, contenidos desnudos. Disfraces impuestos o elegidos. Desecho, reciclaje, transformación.
COREOGRAFÍA: Montserrat Payró* y Nadia Lartigue INTÉRPRETES: Montserrat Payró*, Nadia Lartigue, Francisco Maldonado**, Letitia Tarno, Cuauhtémoc Rodríguez DISEÑO DE ESCENOGRAFÍA Y VESTUARIO: Julia Reyes Retana VIDEO: Canek Kelly FOTOGRAFÍA: Jacqueline López MÚSICA: Robert Ashley, Autechre, Hands To, Steve Roden, Serge Gainsbourg, Gustavo Pimentel EDICIÓN MUSICAL: Nadia Lartigue DISEÑO GRÁFICO: Cuauhtémoc Rodríguez APOYO TÉCNICO: Leonor Maldonado y Marianela Santoveña *becaria FONCA intérpretes 2007-2008 **becario Instituto de Cultura de Guanajuato: intérpretes 2008
dharma
Dirección artística: Montserrat Payró
Desde 2002 DHARMA promueve las colaboraciones multidisciplinarias e interculturales como forma de creación y producción. Funciona como un espacio para el intercambio artístico con una visión que atribuye un valor intrínseco a los procesos de búsqueda genuina y de investigación.
Los trabajos creados a partir de estas colaboraciones entre artistas sonoros, visuales y del cuerpo, se han presentado en los principales escenarios de México (el Teatro de la Ciudad, el Palacio de Bellas Artes, el Teatro Pablo de Villavicencio, el Antiguo Colegio de San Ildefonso, entre otros) y han sido seleccionados para participar en festivales internacionales como: Festival Internacional Danza Extrema (en Xalapa), Festival EINCE (en Guadalajara), México: Puerta de las Américas (en México y Nueva York), Bienal de Danza del Mercosur (en Brasil), Festival MOVES 08: Movement on Screen (en Inglaterra), y Fragments de Experiences (en Francia), en el marco de Sweet&Tender Collaborations. Ha sido en dos ocasiones Finalista en el Premio de Coreografía Contemporánea INBA-UAM.
Después de 6 años de haber realizado su primera temporada en este espacio, hoy DHARMA regresa al Foro Shakespeare con un programa que dirige una mirada a través de las capas que conforman la realidad humana y reflexiona sobre la fragilidad de nuestro estado perecedero.
Porque la manera de controlar el cuerpo es prohibir su descontrol, y porque descontrolar es también una arte de la contención, la danza es el terreno fértil para la exploración de los sitemas simbólicos del comportamiento animal.
Otra proxemística es la de los lenguajes artísticos, Monteserrat Payro no ceja en lo que podrá constiuir un cuerpo de obra coherente que lleve la acción escénica más allá del ejercicio coreográfico hacia una escena extensa del absurdo.
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John Maeda, MIT Media Lab
He concluido mi primer y espero no último curso de Introducción al Arte Digital en el instituto Íconos de la Ciudad de México; después de más de 13 años de ausencia de la vida docente estas son mis impresiones:
Pese a habitar desde hace más de 15 años (para México) en un entorno tecnologizado por los ordenadores, abierto al libre tránsito de tecnologías desde el primer mundo y que el panorama del arte medial entró en el léxico de los artistas latinoamericanos desde mediados de los años 70s, aún se resienten en las escuelas de formación de artistas plásticos, literarios o de otro tipo una total falta de inclusión de los elementos de análisis y comprensión del arte tecnológico producto de las primeras vanguardias modernas.
La hegemonía de los discursos políticos reivindicativos de la tardo-revolución siguen siendo banderas ideológicas que impiden la apertura conceptual del arte expandido como recurso de exploración de sentido.
El énfasis entre los artistas latinoamericanos, sigue estando en los tópicos de identidad racial, cultural y de clase frente a los discursos internacionalistas y globales que confrontan el problema de la función del arte en un panorama más complejo. Esto lleva a que los discursos latinoamericanos encuentren poco o ningún eco fuera de los entornos locales.
Las instituciones de desarrollo tecnológico no se plantean siquiera la existencia de un prospero y profuso campo de exploración de los medios como herramientas de producción de bienestar, contenido y experiencias de desarrollo de la cultura; a diferencia de ciertas sociedades generadoras de tecnología y conocimiento en México aún el enfoque desarrollista como mera industria de transformación material aplica una estrategia de desculturización en todos los niveles.
Las definiciones de arte entre amplios sectores especializados sigue siendo afín al modelo estético del romanticismo nacionalista.
Las aplicaciones tecnológicas asociadas a la imagen se contemplan como extensiones del proceso creativo mercantil y de la comunicación de masas, más próxima a la definición de diseños como aplicaciones metodológicas de embellecimiento que a las cualidades experimentales del arte como lenguaje.
La producción y difusión del arte tecnológico en México es prácticamente a título personal de unas cuantas personas que han optado por construirse una formación autodidacta en tecnologías y que carecen de un entorno articulado de elaboración, discusión, confrontación y enriquecimiento de conocimientos y experiencias en su disciplina debido a la casi total falta de recursos institucionales de orden público o privado.
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Tres nuevos títulos de ediciones Veracruz Portátil a presentarse el próximo viernes en el Centro Veracruzano de las Artes, en el puerto de Veracruz.
Tres inéditos de Marisol Robles, Juan Joaquín Pereztejada y de Jesus Garrido; factura de calidad. Además anunciaremos dos nuevos títulos para el proximo año, no se lo pierdan.
Por cierto, la edición es limitada, se desean un pdf con alguno de los textos solicitenlo aqui a su servilleta.
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El artículo de Oscar Salamanca sobre la obra inédita de su hermano me ha hecho reflexionar sobre los paralelismos pictóricos que involuntariamente reproducimos los artistas, es como una conexión o una inevitabilidad, nos nutrimos de los mismos referentes visuales y nuestras derivaciones son condicionadas por el mismo proceso lógico, pero además estamos atrapados en la forma del aparato reflexivo y el ejecutor: la mano, el ojo, la mente. Esta limitante es la misma para todos pero la resolución formal última tiende a crear la radical diferencia; cuando se consuma la obra se crea algo original: un reflejo de luz sobre el proceso ciego del estilo.
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La nariz adolorida, dos dedos de los pies lastimados, tierra en las orejas, un labio partido, grandes amistades y experiencias; todo eso es Dahrma, Embalajes y el Festival de Danza Extrema .
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Los cuerpos en cuestión
Puede decirse que Spencer Tunik tiene en este momento más relevancia en México que ningún otro fotografo en la historia, no porque su obra sea más valiosa, significatica, documentativa, emotiva, histórica o artística que la que otros artistas extanjeros o nacionales hayan aportado, sino porque más gente le conoce, es el único fotógrafo que ha merecido ocho colomnas en todos los periódicos y noticiarios del país.
¿Cómo entender la imagende lo mexicano sin las aportaciones de Edward Weston, Juan Rulfo, Eduard Tissé, Salas Portugal, Los hermanos Casasola, Gabriel Figueroa, Pedro Meyer, Katy Horna,Cartier Bresson, y un enorme etcétera?
Provenientes de las distintas vertientes de la imagen, el fotoperiodismo, el arte, el cine, estos autores han trabajado ampliamente con el cuerpo mexicano tratando de extraer de sus imágenes signos de identidad esencial.
Sin embargo en el imaginario actual pocos, muy pocos de los 20,000 asistentes a performance de Tunik podrán nombrar a uno solo de esa larga lista, en el fondo porque lo que motiva a los modelos no es la apreciasión artística tanto como la experiencia estética de la acción corporal, happening para ser más precisos, así como el sentimiento liberador de la participación en un desafio a la costumbre; a la moral.
Querer evaluar esta operación artística como imagen resultante es sólo una, quizas la más dévil, de las opciones de análisis de este fenómeno, inscrito en la lógica del arte participativo, postestructuralista, no objetual, programático y performático tal y como este montaje propone. El conjunto de registros, de mayor o menor fortuna formal que implica el portafolio de imágenes de Tunik es solo un subproducto, un pretexto para la acción social de esta operación y quizas es más un lastre que una virtud.
El talento del autor es menos significativo en lo fotográfico que en lo pragmático, el dispositivo social en acción habla más sobre los fenomenos contemporáneos del campo artístico que los resultados formales (como ejemplo la obra de Christo y sus envolventes, que han trasmutado de la obra como pieza al proyecto como operación social). La obra supera las expectativas numericas y conceptuales de autor, trasciende el campo de lo estético y se inscribe en lo social creando multiples lecturas en un entorno amplio de actores y espectadores del fenómeno.
En su proyecto global Tunik retrata el mundo más allá de las identidades personales de los sujetos implicados, sus fotos son vistas panorámicas donde una masa humana se repite acumulativamente, donde los cuerpos regularmente se funden en microidentidades fractales, donde el espacio tiene mayor singularidad que los humanos. El de Tunik es un retrato de conjunto de una sociedad global descentrada, desarraigada, anónima pero omnipresente, inmovil pero profusa, definida óptica y sexualmente pero no identitaria. Promulga una nueva libertad: la de la indefinición, la visibilidad plena sin referente preciso, internacionalismo integral, globalidad y humanismo hegemónico; triunfo del expansionismo mercantil.
Con todo ello la obra tiene un sesgo crítico, un punto de quiebre conceptual, no intencional, a contramano; de manera accidental se cuela la derrota de la felicidad del sujeto, su triunfo sobre la desnudez es la evidencia de su insignificancia: debajo de la ropa no somos libres, no por ser semejantes escapamos al cuerpo social, no lo superamos; el cuerpo social lo construye el simbolo cultural (la urbe, la ropa) y el cuerpo contemporáneo (bisexuado, anatómico, médico y político). Nuestros cuerpos son invisibles aún desnudos porque no hay otredad posible, no hay novedad ni diferencia significativa que escape a la cultura como marca global.
Las nuevas identidades (las actuales, las únicas posibles) son indistintas.
El cuerpo artificial del desnudo contemporáneo no tiene esperanza.
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