irradiación no es la luz, pero se comporta como tal.

Antoni Tàpies: Cruz y tierra
1975. 162 x 162 cm. Técnica mixta.
Colección del artista.

No siento que Antoni Tapies haya muerto, para mi es una de esas figuras que están más allá del tiempo. ¿Está muerto Giorgione, o Goya o José de Rivera?

La alquímia de la pintura transmuta al autor en obra, que si bien no es eterna, se mimetiza con el infinito.

Primero fue la luz, y de ella emergió la tecnología.

A la muerte de Steve Jobs se destaca, en retrospectiva, la historia que construyó a la sombre de su memoria.

Es ridículo aún discutir las similitudes y diferencias entre una plataforma y otra, lo que hay que destacar a final de cuentas es la voluntad de imaginar, la limpidez de una mente que puede crear en futuro y quienes sólo conjugan en un presente imperfecto.

¿Cómo dimensional Steve Jobs la figura de Bill Gates? ¿pude hoy ser visto igual Microsoft? ¿Muerto el enemigo puede erigirse como vencedora una marca deficiente?

No pertenecemos a una marca u otra, elegimos lo que mejor nos funciona. La tecnología es libre porque sólo la limita la imaginación.

Brain Bag / Jun Takahashi

En la historia de la medicina y la filosofía los organos suelen ponerse de moda, en el inicio del siglo XXI lo que se lleva es el cerebro.

Esta moda le viene bien a los neurólogos, una especie de investigadores hasta hace poco tan grises como la materia de su estudio. Hoy todos quieren meterle mano a su organo y los regenteadores más buscados son estos psicoanalístas biológicos que ofrecen el mapa reflexologico del cráneo interno donde se contienen todos los misterios del hombre y, si les provocan, del universo entero.

El proximo Einstein será neurofisiologo, o al menos eso promete la academia. El peligro que corren el resto de las disciplinas científicas no es menor, pronto sus investigaciones serán tan insustanciales como las del arte lo son hoy en día. La lógica hace pensar que el organo que pregunta es el mismo que debe responder, así que ¿para qué buscar respuestas en otras partes si al final el que genera toda explicación del mundo es el cerebro?

Se acabó, ya no queremos teorías, queremos neuronas respondonas. Señores científicos, bienvenidos al terreno de las artes, donde ya nada aporta conocimiento, si quieren fondos para sus investigaciones aprendan a burlarse del stablishment, la ironia también está de moda y la produce el cerebro.

Ron Mueck / Hiperrealismo de alto impacto

Colegio de San Ildefonso 2011

El hiperrealismo cumple una promesa muy anhelada por el público; dejar de preguntarse ¿Qué quizo decir el autor?

Pocas cosas más decentes que pueda hacer un escultor que plantarle en las narices al visitante del museo los pelos y las flacideses de sus modelos en 3D y en tiempo real. Presentarles lo real en su simulacro perfecto: la obra de arte.

Tras varias décadas de estar descontinuado, la fábrica del arte hiperreal volvió a presentar un producto de consumo masivo globalizable de la mano del gran publicista Charles Saatchi, principal promotor de los YBA Young British Artists, entre los que incluyó a este australiano un tanto más crecidito. Bajo la égida de la conmoción, la exhibición itinerante Sensation viajó por el mundo presentando a los autores de fin de sieccle xx que habrían de imponer los estándares del arte contemporáneo por venir. Como toda moda pasaron de moda y hoy cada quien se representa a sí mismo en la lucha contra los autores asiático que, todo parece indicar, se apoderarán del arte del siglo xxi.

Mueck es un humorista consumado, sus esculturas son chistes divertidos y escatológicos y nadie pierde su tiempo si se dedica a ver  detenidamente los poros y otros orificios que talentosamente el artista dispone en la silicona. Entre el circo y el museo, en esta ocasión prefiero el museo.

Tan sólo el título de la exposición me parece fallido e indigno de un espacio universitario; todo hiperrealismo es de alto impacto, no lo hay de otra naturaleza.

Hollis Brown / Unexplained Mysteries of the Universe
pigment transfer on paper

El arte contemporáneo inicia su historia con la busqueda de la insignificancia, en este sentido podemos decir que lo contemporáneo esta íntimamente ligado al arte Zen y al pensamiento trascendente; salvo que en relación a las disciplinas metafísicas el arte contemporáneo no es un hacer personal, sino un bien público, o al menos una práctica comercial de formas y contenidos.

El minimalismo como trascendencia metafísica hunde sus raices en el sinsentido; si algo es tan infinito como lo absoluto cualquier cosa que se muestre o diga sobre ello no es más que una fracción insignificante de la totalidad, por lo tanto es en el reconocimiento mismo de la insuficiencia del pensamiento y la representación donde recide la profundidad de la reflexión mística.

El arte contemporáneo es fan de lo real, lo real es su puerta de acceso inmediato al absoluto, lo que está ya hecho, a lo que no es necesario agregarle nada; desafortunadamente sobre esta saludable reflexión se construye un sin número de propuestas de obra personalísima desde donde los autores buscan el reconocimeinto, la fama y la valoración, el mecenazgo que todo genio merece.

Los artistas contemporáneos fallan en el intento de pasar por místicos; pueden engañarnos por principio, pero basta poner un poquito de atención sobre ellos para que revelen sus muy humanas pretensiones. Es lo admirable de ciertos autores que a sabiendas del despropósito eligieron el cinismo: Warhol, Duchamp preponderantemente; otros no se meten en problemas y siguen haciendo por placer arte moderno, con manifiestos y todo lo que los hace románticos. Otros son entusiastas, los más jóvenes, que a traves de la imitación de sus héroes buscan la innovación en un terreno en el que sólo lo real innova; su obra parece periodismo de queja; confunden voluntad social con arte; buscan el mecenazgo asistencial de lo social que, de principio, esta totalmente desprovisto de poesía.

El asunto no es fácil, no si se carece de mala leche. Yo me conformo con hermosas mediocridades.

Kirk Hayes

New Paintings

Conduit Gallery

Me gustan los pintores marginales si sus obras estan hechas al margen de la pintura.

Tal es el caso de Kirk Hayes, pintor autodidacta e intendente de escuela texano descubierto recientemente y saltado a la escena de la pintura contemporánea.

Son imagenes de pedazos de cartón, triplay y óleo. Lo que son aparentemente collages y ensamblajes con materiales deleznables, en realidad consiste en pinturas elaboradas con efectos hiperreales. Se trata de obras con una excepcional síntesis visual en paletas desaturadas y composciones simples y atrevidas.

Las obras de Hayes tienen la imporonta infantil y la fuerza del estrañamiento; de la violencia y el desecho. Son imágenes que semajan el diario de un descastado: un comic en busca de argumento.

Este es un pintor del que no hay que apartar la mirada, con claras referencias a Philip Guston, Georg Baselits, y Cy Twombly; un buen discipulo.

Paso el tiempo de ser pop, de  ser modernos.

Hoy muere Richard Hamilton, padre del Pop Art, pero su hijo hacia ya años que se pudría en su feretro museográfico.

Del espíritu contestastatario de los 60s al arte contemporáneo del siglo xxi han pasado muchas cosas, la principal es que los espectadores se han vuelto abúlicos y los artistas insustanciales.

Viendolo bien esa era la tesis del arte del Pop, evidenciar la superficialidad de las sociedades modernas y el sistema de imagen global que estaba falsificando la realidad.

El Pop triunfó y su resultado fue la banalización de todo ejercicio artístico, lo cual conllevó a que los artistas vieran su función como una ironía sin sentido, una broma muy elaborada imposible de descifrar. El oficio del artista contemporáneo es la de ser un payaso sin gracia; el chiste está en burlarse de todo pero sin que nadie lo note.

¿Lo hacen porque se sienten ofendidos?

Lo mejor de Hamilton es que era un tipo gracioso, el mismo Wharhol lo fue tambien, payasos tristes pero originales. Con su muerte termina una era muy significativa para el negocio de la comedia del arte.

Debería organizarse una retrospectiva en el museo de La Comedie Fracaise en su honor.

CORRESPONDENCIA

Lureana Toledo

Sala de Arte Público Siqueiros

México DF

Fui a ver la exposición Correspondencia de Laureana Toledo en la Sala de Arte Público Siqueiros en Polanco. Se trata de un video y una instalación de documentos y ediciones tipo cartel de la artista en hecho en colaboración con el bajista de la banda inglesa Duran-Duran John Taylor.

"Durante la residencia artística que Toledo desarrolló en el año 2008 en Birmingham, Inglaterra, se propuso reconstruir ciertos estadios de la memoria retomando el desplazamiento individual desde las dos ciudades donde inició la construcción cultural de los artistas."

La pieza audiovisual esta compuesta por un monitor de video, una proyección del mismo video esobre el muro de una sala en penumbras y otro monitor con los subtítulos de la banda sonora del video. Adicionalmente hay un bafle que reproduce la línea de bajo de una pieza de rock. El resultado del conjunto es tan insignificante como si ambos fueran editores de video con epilepsia.

Laureana Toledo ha conjuntado fragmentos de video de calidad baja que ella y su colaborador  grabaron con limitadas habilidades cinematográficas en México y Birmingham, ciudades natales de ambos. En este este videoclip de duración desconocida (cuaquier video que dure más que una canción de tres minutos debe ser muuuuy interesante para que alguien se detenga a contemparlo) se suceden frases de pláticas que ambos han compartido sobre algún tema que de haber tenido tiempo e interés para seguir se antoja complejo, sobre el papel crítico del bajo en la música y cosas por el estilo. El texto de sala dice:

"Curiosamente, ambos artistas con orígenes y especialidades artísticas distintas iniciaron un diálogo sobre sus geografías, sus desplazamientos, sus experiencias de vida y la música, el cual se materializó en el año 2009 en la pieza Correspondencia"

Dice la artista que la motivación para la exhibición surge de una revelación impactante: tres de sus bandas favoritas de rock: Led Zeppelin, The Who y Duran-Duran, tienen bajistas llamados John, A mi no me parece  tan inusual o curioso que tres bajistas de bandas inglesas se llamen John, raro fuera que se llamaran Rogaciano.

Desde el punto de vista estadístico, siendo John posiblemente el nombre más recurrente en paises de habla inglesa, este descubrimiento se antoja gratuito, asi como es gratuito comparar a Led Zeppelin con Duran-Duran, pero allá cada quien con sus gustos culposos.

Tampoco resulta raro que el único en responder a sus propuestas de colaboración haya sido el bajista de Durán-Durán, será el único que lee personalmente el correo de sus fans.

El punto de partida de la tesis artística es tan gratuito como inefectivo, dice muy poco del rock o al menos lo dice en una clave lingüística muy críptica de difícil interpretación.

El uso estadístico en los materiales de referencia es muy pobre, un solo caso totaliza los arguentos críticos sobre este "papel secundario" aducido a los bajistas, sería igual de valioso que tres taqueros llamados Juan en su papel secundario de hacer tacos al pastor hablaran sobre el rol que juegan en la alimentación mexicana, con la ventaja de que el resultado sería menos pretensioso y al menos un poquito ideosincrático en este mes patrio.

Ya en otra pieza de Toledo The Limit, también referente a la estética del Rock, la autora hacía referencia al ocultamiento de sus intenciones mediante disfraces inartísticos de su discurso trascendente, de manera que los espectadores que odian el arte pudieran acercarse a lo sublime mediante sus afecciones pop. Creo que este es el caso inverso, donde los "amantes del arte" son repelidos mediante el recurso del disfrazamiento de lo banal con el ropaje pretencioso del arte contemporáneo.

La exhibición (supongo que esto es una exhibición pero a medida que escribo creo que es más como una acumulación de piezas de un proceso que a la misma artista no le queda claro y cuyos límites son inexactos e imprecisos, ya que como obra propiamente dicho no es una unidad sino una dispersión de referencias) contempla también una acumulación de discos, viniles y cds, notas y cartelitos con frases crípticas en ingles que supongo que tambien tienen que ver con lo que la artista concluye o lo que alguien más dijo; tampoco es muy clara la autoría de las ideas.

Al entrar al remodelado vestíbulo de la que en alguna época fuera la casa de Siqueiros este montaje con mesas y discos parece ser parte de la tienda del museo, es un tanto desilusionante constatar al final de la visita que esta sección no es parte de la tienda y lo único que se vende sean unos cuantos libros de dificil acceso atrás de los mostradores de vigilantes, y que el espacio comercial se dedique a algo con pinta de venta de garage condechi o puesto minimalista del mercado de discos del Chopo donde ni siquiera se vende nada.

Se dice en el texto de sala y en el sitio de la SAPS que por debajo de todo esto hay un ejecicio crítico, que el ejercicio tiene el propóito de:

"partir de los géneros musicales pop y rock para reflexionar sobre el desplazamiento de las identidades contemporáneas, creando un diálogo de ideas entre lo local e internacional y afectando los límites entre arte y vida"

Este tipo de porpósitos suelen ser elaborados desde las disciplinas sociologicas y antropológicas, con resultados si bien especializados medianamente legibles en formatos de ensayo, Aproximarse desde las artes visuales el resultado resulta de dificil valoración. Existen ejemplos de mapas y recorridos como ejercicio artístico, geolocalizados y compartidos en redes. Este ejercicio es menos accesible ya que no habita las redes y, como un cúmulo importante de arte mexicano, no esta concebido bajo las reglas de la colaboración 2.0, sino en los viejos términos de un equipo de dos autores.

El texto continúa:

"En esta Correspondencia Taylor substituye su rol musical por un sólido papel en la conceptualización de esta obra, mientras Toledo adopta el camino complementario como editora musical y de la imagen. Laureana decide sumarse al papel secundario, asumiendo una postura crítica ante el rol generalmente otorgado al bajo como instrumento secundario".

Osea que el músico se convierte en 1teórico sólido! de la obra y artista editorial y la artista visual se suma al "papel secundario", supongo que dándole ritmo a la obra de Taylor. Creo que prefiero oir a Duran-Duran con sus rolitas fresas que soplarme a un ex rockstar en papel de teórico contemporáneo.

Un diálogo críptico entre coincidencias y ocurrencias; ;valiera la pea solicitar una residencia artística para dedicarle el tiempo necesario a su desciframiento.